Vinyl-Alben   aus   den   ehemaligen   „Bruderstaaten“,   die   heute   kaum   noch   jemand   kennt,   die   uns   aber Großes hinterlassen haben und zu meinen persönlichen Favoriten gehören: Ich   zeige   und   beschreibe   hier   Vinyl-Alben   aus   meiner   ganz   persönlichen   Sicht.   Es   sind   Rock-   und   Pop-Alben,   die   meine Hörgewohnheiten   ebenso   beeinflusst   haben,   wie   die   der   internationalen   großen   (und   kleinen)   Stars.   Ich   bin   in   einem Umfeld   aufgewachsen,   das   mir   die   Chance   gab,   den   Künstlern   hinter   und   denen   vor   dem   „Eisernen   Vorhang“   zu   folgen, wenn   mir   deren   Musik   gefiel.   Das   habe   ich   (fast)   allen   Musikliebhabern   im   „Westen“   voraus   und   darüber   bin   ich   aus heutiger   Sicht   sehr   glücklich.   Es   macht   mich   stolz.   Manche   der   hier   von   mir   gezeigten   Plattenproduktionen   hätte   in   dem anderen    Umfeld    wahrscheinlich    viel    mehr    Ausstrahlung    entwickeln    können,    als    sie    in    ihren    Heimatländern    und Nachbarstatten   ohnehin   hatten.   Mit   ihrer   Musik   haben   diese   Künstler   Großartiges   und   Bleibendes   geschaffen,   obwohl   es heutzutage   viel   zu   wenig   gewürdigt   wird.   Ich   maße   mich   nicht   an,   das   korrigieren   zu   wollen,   aber   es   macht   mir   Spaß, diese Scheiben viele Jahre später in loser Folge hier vorzustellen:  BREAKOUT – „70a“ , Polen, Muza 1970                                                                                        18.06.2020 In   der   zweiten   Jahreshälfte   1969   aufgenommen   und   im   Februar   1970   veröffentlicht,   dokumentiert   das   Album   „70a“   von Breakout,   wie   kaum   ein   anderes,   den   Aufbruch   des   Blues   in   Polen   hin   zur   Fusion   mit   Elementen   des   Jazz   in   seiner polnischen   Spielweise.   Tadeusz   Nalepa   kann   Blues   ohne   jeden   Schnörkel   und   kombiniert   ihn   genreübergreifend   mit Solotupfern   von   Saxofon,   Flöte   und   Piano,   spielt   mit   Boogie   ebenso   wie   mit   Jazz   oder   Rock,   die   er   miteinander   zu verschmelzen   sucht.   Auf   diese   Weise   wird   „70a“   zum   Wegweiser   für   andere   Künstler,   die   eingefahrenen   Gleise   zu verlassen.   Dazu   trägt   auch   das   Spiel   des   damals   noch   unbekannten   Bassisten   Josef   Skrzek   bei,   der   nach   dieser   LP Breakout   verlässt,   um   seinen   eigenen   Weg   mit   Niemen   und   später   SBB   zu   finden.   Die   instrumentale   Finesse   der   Platte kann   den   Größen   jener   Zeit,   von   Fleetwood   Mac   bis   Yardbirds,   locker   in   Sachen   Qualität   und   Ideenreichtum   in   jedem Moment   standhalten.   Die   Gestaltung   des   Frontcovers,   für   damalige   Verhältnisse   fast   schon   revolutionär,   zeigt   die   Band in   einer   geöffneten   Konservendose.   Die   Parallele   zum   spanischen   Cover   von   „Sticky   Fingers“   der   Rolling   Stones   ist naheliegend   und   fällt   auf.   Dumm   nur,   dass   „Sticky   Fingers“   erst   ein   ganzes   Jahr   später   erschien.   Wie   auch   immer,   „70a“ war damals seiner Zeit weit voraus und läutete eine Reihe fantastischer Alben von Breakout ein. EAST – „Hüseg“ , Ungarn, Start 1982                                                                                             10.06.2020 Ja,   auch   in   Ungarn   gab   es   Art-Rock!   Während   in   England   der   Punk   die   bombastischen   Strukturen   in   der   Rockmusik aufzubrechen   begann,   spielte   in   Ungarn,   ähnlich   wie   Marillion   in   England,   die   Band   EAST   ihr   Album   „Hüseg“   (Vertrauen) als   Art-Rock-Opus   ein.   Dieses   zweite   Album   von   EAST,   das   vor   Leidenschaft   und   sinfonischem   Pathos   nur   so   strotzt, markiert   zugleich   den   Höhepunkt   im   Schaffen   der   ungarischen   Art-Rocker.   Hier   basiert   der   sinfonisch-progressive   Ansatz auf   eingängig   und   opulent   ausgestalteten   Melodien,   in   die   hinein   eine   rockige   Gitarre   dosierte   Glanzpunkte   setzt.   Den Gesang   in   ungarischer   Sprache   empfindet   man   eher   als   einen   zusätzlichen   Klang,   denn   als   unverständliche   Lyrik.   Durch die   einzelnen   Kompositionen   ziehen   sich   dynamische   Klangstrukturen,   die   das   Album   zu   einem   besonderen   Erlebnis werden   lassen   und   einen   eigenständigen   Eindruck   hinterlassen.   Auf   diese   Weise   hebt   sich   das   Album   wohltuend   von   den meisten der etablierten Bands in Ungarn ab. BLUE EFFECT – „Nova Synteza“ , CSSR, Panton 1971                                                              05.06.2020 Der   tschechische   Gitarrist   Radim   Hladik   war   Zeit   seines   Lebens   ein   Suchender.   Schon   mit   15   Jahren   stand   er   auf   einer Bühne,   wurde   1966   Gitarrist   der   legendären   Matadors   und   spielte   ab   1968   bei   Blue   Effect.   Nach   dem   Album   „Kingdom Of   Life“   (1970)   veröffentlichte   die   Band   mit   Radim   Hladik   und   dem   Radio-Jazz-Orchester   der   CSSR   im   Jahr   1971   das Experimental-Fusions-Album   „Nova   Synteza“   (Neue   Synthesen),   das   als   ein   Höhepunkt   seines   Suchens   nach   neuen Ausdrucksformen   im   Spannungsfeld   zwischen   Jazz,   Rock   und   Bigband-Sound   gewertet   werden   darf.   Die   Live-Session   ist, inspiriert   von   der   Zusammenarbeit   mit   der   Band   JAZZ   Q,   eine   einzige   Explosion   musikalischer   Vielfalt   und   Spielfreude ohne   Zwänge   und   Grenzen   bis   hin   zum   Free-Jazz.   Die   Stücke   haben   alle   Überlänge,   bei   denen   sich   der   Gitarrist austoben   kann,   während   das   Orchester   ihn   immer   wieder   mit   eigenständigen   Beiträgen   einer   Bläsersektion   ergänzt   und auf   neue   Wege   lockt.   Vielleicht   klingt   diese   Musik   bis   heute   genau   deshalb   so   homogen   und,   trotz   der   Ausflüge   in Richtung    Jazz,    äußerst    unkonventionell    und    ungemein    populär.    Ein    Paradebeispiel    und    Lehrstück    für    scheinbar grenzenloses progressives miteinander Musizieren, der 1974 mit „Nova Synteza 2“ ein zweites Kapitel nachgereicht wird. Skaldowie – „Od Wschodu Do Zachodu Slonca“ , Polen, Muza 1970                                 28.05.2020 SKALDOWIE   waren   eine   von   vielen   Beatgruppen   der   1960er   Jahre   in   unserem   Nachbarland   Polen.   Als   sie   1969   von   einer Tour   durch   die   USA   zurückkehrten,   brachte   sich   die   Band   neue   Gitarren   und   eine   Hammondorgel   mit.   Deren   besonderer Sound   bestimmte   die   Lieder,   die   Keyboarder   Andrzej   Zielinski   für   das   Album   „Od   Wschodu   Do   Zachodu   Slonca“   (Von Sonnenaufgang   zu   Sonnenuntergang)   schrieb.   Das   Album   markiert   die   Wende   der   SKALDEN   hin   zur   damals   angesagten progressiven   Spielweise   von   Rock   unter   dem   Einfluss   von   Blues-Strukturen.   Dafür   steht   der   Titelsong,   aber   auch   das historisch   komplexe   Stück   „Henry   XIV“.   Eingebettet   in   die   barocken   Taktformen   der   „Sarabande“,   zu   Beginn   und   am Ende   der   Platte,   unternimmt   der   Hörer   eine   Gefühlsreise   in   die   neue   Klangwelt   einer   polnischen   Rockband,   die unüberhörbar   Facetten   heimischer   Folklore   in   ihre   Musik   einfließen   lässt.   Diese   Stilistik   geben   die   SKALDEN   mit   den nachfolgenden   Alben   „Ty“   (1971)   und   „Krywan,   Krywan“   (1972)   Stück   für   Stück   wieder   auf,   obgleich   die   Titelsuite „Krywan,   Krywan“   den   Hörer   für   eine   ganze   LP-Seite   mit   genau   diesen   komplexen   Klangstrukturen,   im   Verbund   mit   Folk- Anleihen,   zu   begeistern   vermag.   Das   1970er   Album   aber   offenbart   jenes   instrumentale   Potential   der   Skalden,   in   filigran geschliffenen   und   komplexen   Strukturen   mit   Folk-Einflüssen   zu   musizieren,   das   sie   leider   nie   wieder   derart   konsequent abrufen werden. BARNODAJ – „Maugli“ , CSSR, Supraphon 1978                                                                           25.05.2020 Die   tschechische   Art-Rock-Band   BARNODAJ   ging   1968   für   kurze   Zeit   aus   der   Band   Progress   hervor,   die   bereits   das Konzeptalbum   „Dialog   s   Vesmirem“   (Dialog   mit   dem   Universum)   erarbeitet   und   live   in   Form   einer   audiovisuellen   Show, nach   dem   Vorbild   von   Pink   Floyd,   aufgeführt,   aber   nicht   auf   Vinyl   veröffentlicht   hatte,   weil   einige   Texte   auf   Ablehnung der   Kulturoberen   stießen.   Um   ein   Verbot   zu   umgehen,   wurde   aus   Progress   kurzerhand   Barnodaj.   Die   Band   produzierte mit   „Maugli“   (1978)   ihr   zweites   Konzeptalbum   nach   der   Idee   des   „Dschungelbuch“   von   Kipling.   Als   es   dann   erschien, existierte   Barnodayj   schon   nicht   mehr,   dafür   nun   (wieder)   die   Band   Progress   2   mit   fast   identischer   Besetzung.   „Maugli“ entstand   in   einer   Übergangsphase   der   beiden   Progress   Formationen.   Das   spiegelt   sich   auch   im   Material,   einer   Melange aus   frühen   Psychedelic-Blues,   Folk   und   Rock   einerseits   sowie   komplexeren   Liedstrukturen   andererseits   wieder,   die   noch Ende   der   ’70er   Jahre   angesagt   und   beliebt   waren.   Es   ist   der   turbulente   Stil-Mix,   der   das   Album   einmalig   in   der   Rock- Historie   Tschechiens   macht.   Zugleich   ist   es   ein   Indiz   für   all   die   Probleme,   die   Rockmusiker   auch   in   unserem   Nachbarland zu   bewältigen   hatten.   Ein   nationaler   Meilenstein   ist   das   Album   allemal,   denn   trotz   aller   Probleme   offenbart   diese   Musik eine unglaubliche Vielfalt und kreative Kraft, die in den Musikern jener Tage steckte. Sarolta Zalatnay (& LGT) – „Almodj Velem“ , Ungarn, Pepita 1972                                    17.05.2020 Sie   war   ohne   jeden   Zweifel   die   großartigste   weibliche   Rock-Stimme,   in   Ungarn   Ende   der   1960er   und   zu   Beginn   der 1970er   Jahre.   Nachdem   Sarolta   Zalatnay   einen   Talentwettbewerb   im   ungarischen   Fernsehen   gewinnen   konnte,   kam   es zur   Zusammenarbeit   mit   Bergendy   und   später   mit   Metro.   Der   Bassist   und   Komponist   von   Metro,   Karoly   Frenreisz, schrieb   ihr   Songs   für   die   erste   LP.   Als   Frenreisz   von   Gabor   Presser   zur   gerade   neu   gegründeten   Gruppe   Locomotiv   GT abgeworben   wurde,   kam   es   zur   Zusammenarbeit   von   LGT   mit   der   Sängerin.   So   entstand   ihr   drittes   Album   „Almodj Velem“   (Träum’   mit   mir).   Locomotiv   GT   mit   dieser   frischen   weiblichen   Rock-Stimme   schienen   etwas   ganz   Besonderes   in Sachen   Musik   schaffen   zu   können,   denn   alle   Texte   schrieb   Anna   Adamis   und   mit   Gabar   Presser,   Karoly   Frenreisz   sowie Thomas Barta spendierten gleich drei Musiker von Locomotiv GT die Kompositionen. „Almodj   Velem“   wurde   eine   ungemein   abwechslungsreiche   Rock-Platte,   auf   der   die   Einflüsse   einer   am   amerikanischen Funk   orientierten   Rockband   unüberhörbar   waren,   aber   der   Sängerin   genug   Freiraum   blieb,   sich   zu   profilieren.   Für wenige   Jahre   gab   es   in   Ungarn   eine   echte   Rock-Röhre,   wovon   dieses   elektrisierende   Funk-Rock-Album   zeugt.   Als Frenreisz   LGT   verließ,   um   seine   Band   Skorpio   zu   gründen,   wechselte   Zalatney   für   das   Nachfolgealbum   ebenfalls   die Begleitband.   Danach   verblasste   ihr   Stern   am   ungarischen   Rockerhimmel   allmählich.   Eine   angestrebte   internationale Karriere   brachte   ebenfalls   nicht   den   gewünschten   Erfolg.   Was   blieb,   sind   ihre   frühen   Album-Produktionen,   mit   „Almodj Velem“ als herausragender Höhepunkt mit der noch jungen Band Locomotiv GT – ein ungarisches Zeitdokument. ANAWA - „Korowod“ , Polen, Muza 1970                                                                                      14.05.2020 „Korowod“   (Der   Reigen)   ist,   wie   viele   andere   Platten   jener   Tage,   der   Versuch,   mit   einer   Mischung   aus   Folk,   Klassik,   Jazz, Chanson   und   Rock,   neue   Wege   zu   begehen   und   dies   mit   acht   beteiligten   Musikern!   Was   wie   eine   Überbelastung   aus scheinbar   gegensätzlichen   Stilen   und   Facetten   anmutet,   strahlt   von   Beginn   an   eine   ganz   eigenwillige   stimmungsvolle Leichtigkeit   aus.   Dieses   Album   ist   wie   ein   Blick   in   eine   faszinierende   musikalische   Vielfalt,   die   sich   zu   immer   neuen reizvollen   Konstellationen   verbindet.   In   der   DDR   wurde   „Dni,   Ktorych   Nie   Znamy“   in   Deutsch   als   „Wichtig   sind   Tage,   die unbekannt   sind“,   von   Anawa   beim   Rundfunk   neu   eingespielt,   ein   Hit.   Gerhard   Gundermann   machte   es   als   „Männer   und Frauen“   später   zu   einem   Kultsong.   Ebenso   begeisterte   „Swiencie   Nasz“   als   hymnisches   „Unsere   Welt“   die   Hörer   jener Zeit.   Das   Album   wirkt   heute   wie   der   Blick   auf   eine   längst   verblühte   Landschaft   und   ein   ungewöhnlich   vielfältiges   Leben darin,   das   es   so   leider   nicht   mehr   gibt:   reich,   vielgestaltig,   zauberhaft,   ausgelassen,   suchend   und   natürlich   ganz   und   gar polnisch   melancholisch.   Die   Scheibe   gipfelt   am   Ende   der   zweiten   Seite   in   ihrem   Titelsong   „Korowod“,   einem   opulent ausuferndes   Opus,   das   alle   Facetten   noch   einmal   komprimiert   und   strahlen   lässt.   Nichts   darin   wirkt   aufgesetzt   oder gekünstelt.   Alles   fließt   harmonisch   ineinander   und   verschmilzt   zu   einem   wundervollen   Ganzen   aus   Klang,   Gesang   und Poesie. Aus   heutiger   Sicht   muss   man   konstatieren,   dass   MAREK   GRECHUTA   mit   seiner   Band   ANAWA   der   Zeit   fast   um   Lichtjahre voraus   war,   als   Visionäre   in   Wort   und   Musik   bleibende   Werke   schuf.   Alles   ist   darin   möglich   und   nichts   wird   dem kommerziellen   Streben   oder   blanken   Erfolg   untergeordnet.   Der   Künstler   Grechuta   beschrieb   seine   Musik   als   „moderne Romantik“,   obwohl   sie   natürlich   wesentlich   mehr   war   und   bis   heute   ist   –   zeitlos,   einzigartig   und   außergewöhnlich.   Ich liebe diese Scheibe!   STROMBOLI – „Stromboli“ , Panton, CSSR 1987                                                                        10.05.2020 Extra   für   das   Prager   Jazz-Festival   1985   gründete   der   Gitarrist   der   zuvor   verbotenen   New-Wave-Band   Prazsky   Vyber, Michael   Pavlicek,   das   neue   Trio   STROMBOLI,   benannt   nach   der   italienischen   Insel   mit   dem   gleichnamigen   Vulkan. Wegen   des   unerwarteten   Erfolgs   erweiterte   er   das   Trio   danach   um   einen   Keyboarder   sowie   eine   Jazz-Sängerin.   In   dieser Besetzung    spielte    die    Band    eine    explosive    Mischung    aus    Jazz    und    Fusions-Rock,    die    vom    innovativen    Spiel    des Gitarristen   und   dem   Scat-Gesang   von   Bara   Basikova   geprägt   war.   Gespickt   mit   raffiniert   sphärischen   Keyboard-Passagen sowie    dem    expressiven    Gitarrenspiel    Pavlicek’s    im    Verbund    mit    Basikova’s    fesselndem    Gesang    wurde    das    Album „Stromboli“   zum   Dokument   einer   faszinierend   stilistischen   Bandbreite   zwischen   Rock   und   Jazz.   Zu   jener   Zeit   war STROMBOLI   eine   der   erfolgreichsten   Live-Rock-Acts   in   unserem   Nachbarland.   Man   braucht   sich   nur   die   Live-Aufnahmen von   „Aladin“   oder   „Stromboli“   von   der   ersten   Platte   des   Doppelalbums   anzuhören,   um   noch   heute   ins   Staunen   zu geraten. Das   Doppel-Vinyl   enthält   zwei   Seiten   Live-Stücke   sowie   zwei   weitere   mit   Studio-Aufnahmen,   darunter   drei   Stücke   mit vertonten   Versen   von   Christian   Morgenstern   („Das   große   LuLaLa“),   um   die   Zensur   in   der   damaligen   CSSR   zu   umgehen. Noch   während   der   Aufnahmen   zum   Nachfolgealbum   „Shutdown“   (1989),   brach   die   Band   auseinander,   da   zwei   der Musiker   das   Land   Richtung   Australien   verließen.   Das   Doppel-Album   „Stromboli“   gilt   jedoch   bis   heute   als   Beleg   für herausragenden Fusions-Rock in unserem Nachbarland, der internationale Vergleiche nicht zu scheuen braucht. Dwa Plus Jeden – „Wyspa Dzieci“ , (Insel der Kinder), Muza, Polen 1975                                 06.05.2020 Das   polnische   Trio   ZWEI   PLUS   EINS   veröffentlichte   ihr   zweites   Studioalbum   „Wyspa   Dzieci“   drei   Jahre   nach   ihrem   Debut „Nowy    Wspanialy    Swiat“    (Neue    wundervolle    Welt)    als    Konzeptalbum.    Die    einzelnen    Songs    beschreiben    die Lebenssituationen   von   Kindern   und   Jugendlichen   in   unterschiedlichen   Phasen.   Mit   Liedern   wie   dem   „Wiegenlied   einer Mutter“   oder   „Stern   des   Tages“   reflektierten   die   Musiker   ziemlich   genau   das   Zeitgefühl   jener   Tage   aus   Sicht   der   jungen Generation   in   ihrem   Heimatland   Polen.   Das   „Wiegenlied   einer   Mutter“   avancierte   auch   in   der   DDR   als   „Schlafe   ein   und fang   die   Träume“   zum   Hit   in   der   Version   der   Puhdys.   Im   Titelsong   „Insel   der   Kinder“   wachsen   die   Kinder   auf   einer   Insel, jenseits   des   Meeres   der   neun   Monate,   auf   Bäumen.   Wenn   abends   die   Erwachsenen   zur   Insel   kommen,   nehmen   sie   die weinenden   Kinder   mit,   um   sie   glücklich   zu   machen.   In   Polen   wurde   dieses   Album   kommerziell   ungemein   erfolgreich   und die    Kritiker    lobten    es.    Plattenproduktionen    wie    diese,    die    zuerst    als    Liederzyklus,    denn    als    eine    Hitansammlung verstanden   werden   wollten,   sind   typisch   für   die   Rock-   und   Popmusik   der   1970er   Jahre.   Musikalische   Innovation   und Textaussagen   standen   vor   dem   Schielen   auf   einen   möglichen   Charterfolg.   Vielleicht   überdauerten   diese   Lieder   gerade deshalb die Jahrzehnte und haben bis heute nichts von ihrer Frische und Faszination verloren.